Des images vidéo dévoilent en partie cette expédition qui a conduit l’artiste à explorer le ciel à la recherche d’un paysage mouvant, dont les montagnes et les sillons se défont et renaissent à tout instant. Contemplés, cartographiés et interprétés, menaçants ou protecteurs, les nuages sont également convoités à l’heure du réchauffement climatique.

A plusieurs centaines de mètres d’altitude, Abraham Poincheval a marché dans un territoire dépourvu de frontières, composé d’eau, de particules terrestres et de poussières célestes.
Le récit de cette déambulation est la première partie d’une odyssée sur la conopée des nuages suggérant d’autres manières d’habiter le monde. 

L’art de la marche dans un paysage sous-marin, ou comment aller nulle-part. « Une silhouette vêtue d'un jean et d'une chemise blanche s'éloigne d'un pas résolu de l'objectif, s'avançant d'une démarche laborieuse à travers un paysage de poissons, de roches et de lueurs aquatiques, jusqu'à s'évanouir dans le lointain embrumé. Une suite de plans saisit le voyage de cette figure cheminant dans cet univers parallèle — comment parvient-elle ainsi à marcher à dix mètres sous la surface de la mer, ou vers quelle destination elle se dirige, nul ne le sait, mais elle semble suivre une trajectoire ou un dessein bien précis. » S.F

Going Nowhere 2 (2011) de l'artiste britannique Simon Faithfull est une œuvre vidéo singulière et envoûtante d'un peu plus de 5 minutes. Elle s'inscrit dans une trilogie (Going Nowhere 1, 2 et 1.5) où l'artiste utilise son propre corps pour explorer les limites de notre planète, envisagée comme un objet sculptural. Going Nowhere 2 est une œuvre à la fois légère et profondément mélancolique. Par un geste minimaliste d'une grande puissance visuelle, Simon Faithfull réussit à transformer une action impossible en une métaphore universelle sur le temps qui passe, l'inutilité de nos courses modernes et la beauté fragile de notre coexistence, ici en l’occurrence, avec le monde sous-marin.

A venir 

Figure majeure de l'art de la performance, ses œuvres, marquées par un engagement critique envers les réalités sociales de son pays, sont brutes, percutantes et sans concession. Son expérience d’experte médico-légale, lui confère une proximité avec les réalités du crime, de la violence matérielle et symbolique, et des conflits sociaux.Elle s’intéresse à la condition humaine face à l'inégalité, au capitalisme sauvage, à la brutalité policière et aux crimes de haine, face au silence, à l’'effacement ou l’ignorance. Elle fait de l'expérience du corps féminin celle de la société., faisant usage de son propre corps comme élément esthétique central et instrument de création.

Considérée comme l'une des artistes contemporaines les plus importantes du Brésil, et est également experte médico-légale (Centro de Perícias Renato Chaves de l'État du Pará) depuis 2010. 

Elles a a représenté le Brésil à la 56e Biennale de Venise. Elle figure dans les collections du MAM-Sao Paulo, MAM - Rio, MAC-U Sao Paulo, Instituto Itaú Cultural Sao Paulo, Kunsthaus Wiesbaden, UMoCA Salt Lake City, Fondation Gulbenkian. 

A venir

The Reds Move est un projet multidisciplinaire qui associe performance en direct, vidéo et peintures dans une exposition cohérente. Vingt-et-un performeurs réaliseront un cortège en plein air, accompagné de projections vidéo provenant de Kaboul, tandis que des peintures sélectionnées offriront un contexte visuel et historique. Cette approche en strates permet au public de suivre l’évolution de la série et de comprendre comment le rouge devient un espace de mémoire, de réflexion et de souvenir collectif. Le projet relie histoires personnelles et collectives tout en démontrant la capacité de la performance à s’adapter à différents contextes géographiques et communautés.

Dans End, Lucien Pelen, né à Aubagne en 1978, filme une nature sauvage et grandiose, mais empêche le spectateur de se livrer à une pure contemplation esthétique, en inscrivant dans ce cadre une intervention dont il est le sujet. La nature devient le support pictural d’une action qui mêle l’absurde au poétique : une silhouette s’activant sans relâche au sommet d’une colline. Dans un rapport de force inversé, l’homme n’est pas écrasé par les éléments, mais son action infime, presque imperceptible dans le plan séquence, suffit à perturber l’équilibre de l’immensité.

Dans sa dernière œuvre vidéo, The Young Shall Grow (I), Nxumalo traduit sa recherche photographique dans le langage de l'art vidéo. Cette pièce de huit minutes suit un jeune homme qui rentre chez lui après une nuit de fête à Johannesburg. Entre la pluie douce et l'aube silencieuse, son chemin devient une méditation sur la croissance, la mémoire et la quête d'identité dans une ville oscillant entre splendeur et fragilité.

L'artiste capte l'atmosphère contradictoire de la métropole sud-africaine : des rues encore marquées par les divisions sociales, des murs et des espaces cloisonnés, des centres commerciaux qui symbolisent à la fois la consommation et l'exclusion. Sur ce fond urbain, le jeune homme incarne une génération évoluant entre euphorie et introspection, entre le bruit collectif et la solitude individuelle.

La caméra de Nxumalo opère avec proximité et sensibilité, éclairant les corps, les gestes et les silences d'une lumière qui révèle l'intime au cœur du quotidien. Par ce geste, The Young Shall Grow (I) devient un portrait collectif de la jeunesse sud-africaine contemporaine : un moment de passage entre la nuit et l'aube, entre le désir d'appartenir et la nécessité de se réinventer.

Avec remedy, Caner Teker transpose la performance killjoy en une rencontre filmique. Au cœur de la boîte noire du théâtre, deux performeur·euse·s évoluent dans l'interstice fragile qui sépare l'affection du conflit. Leur lutte se mue en une chorégraphie du soin, une négociation permanente du toucher et du pouvoir. Au plus près des corps, la caméra capte des gestes qui oscillent entre résistance et tendresse, retraçant la manière dont la chair se fait le script de la perte. Ce qui se déploie alors n'est pas une réconciliation, mais une relation en mouvement, suspendue, mise à nu. remedy prolonge la quête de Teker sur la manifestation du deuil et de l’intime par le geste. L'œuvre nous invite à pressentir comment le conflit peut abriter le lien, et comment l'amour peut subsister au cœur même de la rupture.

A venir

Cairn es tune une proposition déroutante et originale dans le domaine du jeu vidéo. Non seulement par sa couche narrative mais surtout pour la perspective d’une ascension jamais réalisée, celle du Mont Kami (qui en japonais se réfère aux Dieux). Outre les prouesses visuelles cinématographiques la tension de l’art de la grimpe rejoint la mise à l’épreuve du corps comme de l’esprit. L’économie de l’effort doit répondre à la gestion des ressources, dont celles nécessaires à la survivance. De multiples itinéraires sont possibles, gravir la montagne est un défi de poïétique. Inévitablement le Mont analogue de René Daumal surgit, les aventures alpines étant en réalité, parce qu’elles sont une entreprise concrète, une profonde allégorie spirituelle.

Ainsi ce jeu d’escalade et d’introspection signé The Game Bakers (Furi, Haven) ne laisse pas insensible. Le personnage  d’Aava à pour point de mire l’ascension du Mont Kami. Elle va y découvrir la loi de la montagne et y découvrir bien plus sur elle et autrui. L’escalade au cœur du jeu est intuitive : placement des piolets, du corps, des membres là cela s’annonce le plus aisé, vous êtes en évolution libre, vous installez le bivouac, vous explorer la montagne et en apprenez sur les lieux comme ses habitants. Vous accédez aux expériences des expéditions précédentes. C’est un jeu sur le sens de la vie dans l’environnement qui est le nôtre.

Chorégraphe et réalisateur français, Fu Le dirige la compagnie Tetrapod. Issu de la danse contemporaine et de la sculpture, il initie son travail audiovisuel par besoin d'archiver ses performances nomades. Aujourd'hui reconnu sur la scène internationale du screendance, il signe de nombreuses œuvres hybridant mouvement, corps et cinéma, récompensées dans divers festivals spécialisés. Fu Le envisage le film comme un partenaire chorégraphique à part entière. Dans son travail, la caméra devient un corps en mouvement dont les cadrages et la mobilité dictent le rythme de l’œuvre. il privilégie les prises longues et immersives pour capturer l'énergie brute et le vertige du direct. Il explore, libéré des contraintes de la scène, l’intimité des sensations corporelles en jouant avec les échelles de plan, avec l’environnement comme matière plastique et les interactions entre l'espace réel. À la croisée de la vidéodanse et de la performance engagée, sa démarche met en scène le corps aux prises avec les enjeux sociétaux actuels.

Fu Le envisage le film comme un partenaire chorégraphique à part entière. Dans son travail, la caméra devient un corps en mouvement dont les cadrages et la mobilité dictent le rythme de l’œuvre. il privilégie les prises longues et immersives pour capturer l'énergie brute et le vertige du direct. Il explore, libéré des contraintes de la scène, l’intimité des sensations corporelles en jouant avec les échelles de plan, avec l’environnement comme matière plastique et les interactions entre l'espace réel. À la croisée de la vidéodanse et de la performance engagée, sa démarche met en scène le corps aux prises avec les enjeux sociétaux actuels.